{"id":4394,"date":"2024-02-13T20:15:05","date_gmt":"2024-02-13T20:15:05","guid":{"rendered":"https:\/\/soundimageculture.org\/focus-boundary-encounters\/"},"modified":"2024-02-23T12:35:07","modified_gmt":"2024-02-23T12:35:07","slug":"focus-boundary-encounters","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/soundimageculture.org\/fr\/focus-boundary-encounters\/","title":{"rendered":"Focus: Boundary Encounters"},"content":{"rendered":"

AUX BORDS DE LA FICTION<\/h2>

\u00ab\u00a0Il existe un mouvement constitutif de la fiction moderne, qui d\u00e9place son centre de gravit\u00e9 depuis son coeur traditionnel, constitu\u00e9 par les noeuds des \u00e9v\u00e9nements narratifs, vers ces bords o\u00f9 la fiction se trouve \u00e0 sa possible annulation \u2026des bords o\u00f9 la fiction accueille le monde des \u00eatres et des situations qui existaient auparavant \u00e0 ses marges: les \u00e9v\u00e9nements insignifiants entre ce qui arrive et ce qui simplement passe. <\/i><\/p>\n

Ce sont aussi les fronti\u00e8res incertaines entre ce qui est r\u00e9el et ce que l\u2019on invente.<\/i><\/p>\n

Ce sont enfin les bords o\u00f9 le r\u00e9cit qui entend documenter le r\u00e9el, s\u2019approprie des formes de la fiction d\u00e9clar\u00e9e.\u00a0\u00bb<\/i><\/p>\n

Jacques Ranci\u00e8re – Les bords de la fiction.<\/i><\/p>\n

R\u00e9compens\u00e9 aux Oscars, le film de Chloe Zhao,\u00ab\u00a0Nomadland\u00a0\u00bb est l\u2019exemple parfait de cette nouvelle tendance de fiction moderne qui joue \u00e0 brouiller les pistes des genres.<\/p>\n

Dans \u00ab\u00a0Nomadland\u00a0\u00bb (2020), le personnage principal est jou\u00e9 par une actrice qui rencontre une grande \u00ab\u00a0famille\u00a0\u00bb de personnes bien r\u00e9elles. Non professionnels, ces acteurs du r\u00e9el jouent leur vie. Le film est une plong\u00e9e dans la survie des travailleurs pr\u00e9caires.<\/p>\n

On peut affirmer que ce type de d\u00e9marche ouvre de nouvelles perspectives \u00e0 la fiction en s\u2019\u00e9loignant des formes traditionnelles de narration et de production.<\/p>\n

De narration, parce qu\u2019elle laisse de c\u00f4t\u00e9 la causalit\u00e9 paradoxale aristot\u00e9licienne dans laquelle les personnages actifs passent de la fortune \u00e0 l\u2019infortune et de l\u2019ignorance au savoir. Principe de base, dans lequel la v\u00e9rit\u00e9 s\u2019impose comme retournement des apparences.<\/p>\n

De production, parce qu\u2019elle renonce aux modes traditionnels de production industrielle, dans lesquelles un sc\u00e9nario est destin\u00e9 \u00e0 \u00eatre ex\u00e9cut\u00e9 pendant un tournage au temps de plus en plus court et avec une \u00e9quipe importante.<\/p>\n

De l\u2019autre c\u00f4t\u00e9 du spectre, plusieurs films dont la source est le r\u00e9el s\u2019approchent de la fiction par l\u2019inclusion des m\u00e9canismes issus de la fiction dans leurs dispositifs.<\/p>\n

D\u00e9j\u00e0 en 1989 , Robert Kramer pour son film \u00ab\u00a0Route one\u00a0\u00bb, suit la travers\u00e9e du territoire am\u00e9ricain par un m\u00e9decin qui revient du Vietnam. Et ce n\u2019est qu\u2019\u00e0 la toute fin du film que nous apprenons que le m\u00e9decin est\u2026un acteur.<\/p>\n

\u00ab\u00a0Nomadland\u00a0\u00bb catalogu\u00e9 comme \u00ab\u00a0fiction\u00a0\u00bb et \u00ab\u00a0Route One\u00a0\u00bb comme \u00ab\u00a0documentaire\u00a0\u00bb, utilisent un personnage principal, \u00ab\u00a0un op\u00e9rateur de fiction\u00a0\u00bb pour traverser un territoire r\u00e9el et rendre compte d\u2019un temps pr\u00e9sent.<\/p>\n

De l\u2019un et l\u2019autre c\u00f4t\u00e9 de cette ligne invent\u00e9e par l\u2019industrie (documentaire\/fiction) apparaissent des oeuvres qui flirtent sur cette fronti\u00e8re et la transgressent.<\/p>\n

Du c\u00f4t\u00e9 de la fiction ces oeuvres convoquent le r\u00e9el comme partie int\u00e9grante de leur mati\u00e8re.<\/p>\n

Du c\u00f4t\u00e9 du documentaire, elles r\u00e9organisent l\u2019information \u00e0 travers des personnages, une histoire et se servent des structures narratives afin de s\u2019approprier autrement du r\u00e9el.<\/p>\n

Peut-on appeler ces oeuvres d\u2019hybrides ?\u00a0 <\/span>Des transgenres ?<\/p>\n

Peu importe. Elles vivent au bord, dans les limites.<\/p>\n

Elles questionnent les modes de repr\u00e9sentation.<\/p>\n

Elles brasent les \u00e9v\u00e9nements insignifiants de l\u2019existence quotidienne et la brutalit\u00e9 d\u2019un r\u00e9el qui ne se laisse pas inclure. Elles d\u00e9couvrent des mondes et produisent des rencontres inattendues. Elles sont cr\u00e9atrices d\u2019un style issu de leur rapport au r\u00e9el et affirment un mode de production l\u00e9ger et contemporain.<\/p>\n

Elles inventent d\u2019autres \u00ab\u00a0h\u00e9ros\u00a0\u00bb, plus proches de la banalit\u00e9 quotidienne,\u00a0 <\/span>\u00ab\u00a0des h\u00e9ros qui n\u2019attendent pas grande chose de leur action, car la plupart des humains, \u00e0 proprement parler, n\u2019agissent pas\u00a0\u00bb.\u00a0 <\/span>J. Ranci\u00e8re.<\/p>\n

La Belgique et en particulier la F\u00e9d\u00e9ration Wallonie Bruxelles, est riche de ce genre d\u2019oeuvres qui ont la reconnaissance de grands festivals tel que Cannes, Berlin, Locarno.<\/p>\n

Des cin\u00e9astes, nourris d\u2019exp\u00e9riences documentaires et en m\u00eame temps proches de la fiction ou du th\u00e9\u00e2tre, tentent de faire bouger les lignes et se placent ainsi aux bords de la fiction. Emmanuel Marre, Claude Schmidt, Jorge L\u00e9on, B\u00e9n\u00e9dicte Li\u00e9nard, Paloma Sermon-Da\u00ef , <\/i>pour n\u2019en citer que quelques-uns !<\/p>\n

S\u2019appuyant sur l\u2019exp\u00e9rience du travail de SIC dans le d\u00e9veloppement d\u2019oeuvres artistiques, ce projet d\u2019\u00e9tude prolonge cette exp\u00e9rience sous la forme d\u2019un programme public de mise en commun et r\u00e9flexion.<\/p>\n<\/div><\/section>\n\n

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Programme<\/h2>
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\u00ab L\u2019hybride , ligne de cre\u0302te entre fiction et documentaire \u00bb.<\/p>\n

3 Journe\u0301es consacre\u0301es aux dispositifs en compagnie des cine\u0301astes. 3 projections par jour, ou\u0300 s\u2019alternent de pure convivialite\u0301 afin de convoquer d\u2019autres publics.<\/p>\n

Mise en valeur des films de la Fe\u0301de\u0301ration Wallonie Bruxelles : Projections et tables rondes en pre\u0301sence des cine\u0301astes et des producteurs.<\/p>\n

Etudes de \u00ab cas \u00bb tel que \u00ab D\u2019un cha\u0302teau l\u2019autre \u00bb ou \u00ab Rien a\u0300 foutre \u00bb – Semaine de la Critique Cannes 2021 – Emmanuel Marre.<\/p>\n

Des philosophes et des praticiens internationaux rejoignent des artistes belges dans des e\u0301changes croise\u0301s y compris avec ceux qui sont actuellement ou ont pre\u0301ce\u0301demment participe\u0301 au programme SoundImageCulture.<\/p>\n

Rencontres avec le public autour des de\u0301bats des projections, dialogues mise en sce\u0300ne et des moments de libre convivialite\u0301, comme des performances improvise\u0301es, des repas.<\/p>\n

Programme ouvert aux e\u0301tudiants des Ecoles de cine\u0301ma – Insas, Iad, Inraci, Ritcs, Erg…..<\/p>\n

Partenaires de SoundImageCulture : Beursschouwburg, Pianofabriek, Bozar, VGC, VAF.<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div><\/section>\n\n

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L\u2019APPROPRIATION DU R\u00c9EL VIA DES OP\u00c9RATEURS DE FICTION<\/h2>
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Les cine\u0301astes que nous presentons ont e\u0301te\u0301 se\u0301lectionne\u0301s en raison des choix esthe\u0301tiques et narratifs qui repoussent les frontie\u0300res du travail documentaire, en explorant des dispositifs et des strate\u0301gies fictionnelles diverses.<\/p>\n

Autrement dit, alors que ces cine\u0301astes utilisent des dispositifs fictifs, ici, ils le font a\u0300 partir et dans le contexte d\u2019un travail sur le re\u0301el.<\/p>\n

Dans les cas de leurs films, ces strategies permettant un engagement ludique et stimulant avec l\u2019histoire
\net la me\u0301moire. Des figures sont ramene\u0301es du passe\u0301, anime\u0301es et incarne\u0301es pour rouvrir et re\u0301aborder des traumatismes ou des e\u0301ve\u0301nements ante\u0301rieurs qui sont passe\u0301s entre les mailles du filet ou reste\u0301s dans l\u2019ombre de l\u2019histoire.<\/p>\n

Tout en s\u2019appropiant du re\u0301el ces dispositif sont cre\u0301ateurs d\u2019empathie et s\u2019approchent ainsi du public. Ils cherchent des formes qui permettent d\u2019aborder aussi les questions de territoire et d\u2019acce\u0300s.<\/p>\n

Les cine\u0301astes questionnent et interrogent les zones frontalie\u0300res, les espaces extra-territoriaux et les zones entre espace prive\u0301 et espace public. Ils ouvrent la possibilite\u0301 d\u2019acce\u0301der et de re\u0301imaginer des espaces qui sont hors limites.<\/p>\n

Ils de\u0301ballent du mate\u0301riel historique qui a autrement e\u0301te\u0301 enterre\u0301 ou ignore\u0301.<\/p>\n

Ce processus de re\u0301ve\u0301lation et de re\u0301animation est intrinse\u0300quement politique car il nous encourage a\u0300 confronter ces histoires qui n\u2019ont pas encore e\u0301te\u0301 raconte\u0301es aujourd\u2019hui. En nous montrant ceux qui n\u2019est peut-e\u0302tre pas imme\u0301diatement visible mais toujours ressenti, les cine\u0301astes nous confrontent a\u0300 des expe\u0301riences et des histoires qui ont toujours e\u0301te\u0301 la\u0300, mais qui sont reste\u0301es cache\u0301es, attendant l\u2019occasion d\u2019e\u0302tre re\u0301ve\u0301le\u0301es aux autres.<\/p>\n

Ils cre\u0301ent, pour le spectateur, d\u2019autres formes d\u2019experience cine\u0301matographique du mate\u0301riel documentaire et par la\u0300, ils insufflent des nouvelles subjectivite\u0301s politique.<\/p>\n

En paralle\u0300le aux projections des films et de\u0301bats avec le public, il y aura des interventions de type the\u0301orique, des auteurs relevant de la philosophie et critique du cine\u0301ma.<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div><\/section>\n\n

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R\u00e9alisateurs et films propos\u00e9s<\/h2>
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D\u2019un Chateau l\u2019Autre
\nPrintemps 2017. E\u0301tudiant boursier dans une grande e\u0301cole parisienne, Pierre, 25 ans, loge chez Francine, une retraite\u0301e de 75 ans cloue\u0301e dans un fauteuil roulant. Ils assistent perplexes a\u0300 la kermesse e\u0301lectorale de l\u2019entre-deux tours de la pre\u0301sidentielle, qui bat son plein.<\/p>\n<\/div>\n

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EMMANUEL MARRE<\/p>\n

Cine\u0301aste franc\u0327ais ne\u0301 le 21 juin 1980 a\u0300 Cormeilles-en-Parisis. Emmanuel Marre a fait ses e\u0301tudes Institut des arts de diffusion en Belgique. Son premier long me\u0301trage, Rien a\u0300 foutre, re\u0301alise\u0301 avec Julie Lecoustre, est se\u0301lectionne\u0301 a\u0300 la Semaine de la critique du Festival de Cannes 2021<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n

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INCANDESCENCES<\/p>\n

Au travers du fantasme d\u2019immortalite\u0301, Incandescences entend questionner nos de\u0301sirs, nos peurs et nos aspirations bru\u0302lantes a\u0300 de\u0301passer les limites de notre finitude dans un monde dont on ne cesse d\u2019annoncer la fin. Lucy, notre ance\u0302tre de trois millions d\u2019anne\u0301es, dont la voix et le corps seront invente\u0301s pour le film, rejoint notre pre\u0301sent et en livre ses perceptions, ses re\u0301flexions, ses perspectives, ses projections. Elle devient ainsi la guide lucide et critique d\u2019une me\u0301ditation cine\u0301matographique ce\u0301le\u0301brant la vie malgre\u0301 les choix sociaux, e\u0301cologiques et politiques qui tendent a\u0300 la menacer.<\/p>\n<\/div>\n

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JORGE LEON<\/p>\n

Jorge Leo\u0301n a e\u0301tudie\u0301 le cine\u0301ma a\u0300 l\u2019INSAS de Bruxelles. Au de\u0301but de sa carrie\u0300re, ses inte\u0301re\u0302ts tournent principalement autour du film documentaire. Sa pratique croise celle de nombreux artistes de la sce\u0300ne tels que Meg Stuart, Benoi\u0302t Lachambre et Simone Aughterlony. Cela a ge\u0301ne\u0301re\u0301 de multiples collaborations artistiques.<\/p>\n

Ses films Vous e\u0302tes Servis (2010), Before We Go (2014) et Mitra (2018) ont e\u0301te\u0301 projete\u0301s dans des festivals internationaux. Ils ont e\u0301te\u0301 re\u0301compense\u0301s a\u0300 plusieurs reprises par de nombreux prix. En 2019, Jorge a e\u0301te\u0301 re\u0301cipiendaire de la Bourse de Recherche Artistique (FRART) de\u0301cerne\u0301e par le FNRS en Belgique. Jorge enseigne a\u0300 l\u2019Insas et est e\u0301galement membre de l\u2019e\u0301quipe artistique SIC (SoundImageCulture). En tant que confe\u0301rencier invite\u0301, il est souvent convie\u0301 a\u0300 parler de sa propre pratique artistique a\u0300 travers des lectures et des pre\u0301sentations.<\/p>\n

Jorge discutera de son travail en cours intitule\u0301 Incandescences.<\/p>\n

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BRAQUER POITIERS
\nDavantage pieds nickele\u0301s que bandits, Francis et Thomas prennent en otage Wilfrid, proprie\u0301taire d\u2019une station de lavage auto, source de quelques poigne\u0301es d\u2019euros quotidiennes. Syndrome de Stockholm a\u0300 l\u2019oeuvre chez Wilfrid, mais a\u0300 sa manie\u0300re tre\u0300s personnelle, le voila\u0300 qui prend aussito\u0302t gou\u0302t a\u0300 la situation, qu\u2019il se plai\u0302t me\u0302me a\u0300 the\u0301oriser amplement, tandis que l\u2019incertitude gagne les deux compe\u0300res rejoints par leurs amies venues du Sud.<\/p>\n

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CLAUDE SCHMITZ<\/p>\n

Claude Schmitz vit et travaille a\u0300 Bruxelles. Il est diplo\u0302me\u0301 de l\u2019Institut National Supe\u0301rieur des Arts du Spectacle (INSAS) en mise en sce\u0300ne.<\/p>\n

Il est artiste associe\u0301 aux Halles de Schaerbeek et ses spectacles ont e\u0301te\u0301 pre\u0301sente\u0301s a\u0300 plusieurs reprises au KunstenFESTIVALdesArts ainsi qu\u2019au The\u0301a\u0302tre National, au Palais des Beaux-Arts, aux Halles de Schaerbeek, au The\u0301a\u0302tre la Balsamine, a\u0300 la Filature Lie\u0300ge, au Salzburger Festspiele, a\u0300 l\u2019HumainTROPHumain, au CDN de Limoges, au The\u0301a\u0302tre de l\u2019Onde, au Centre d\u2019Art, etc. Actuellement, il a re\u0301alise\u0301 trois moyens me\u0301trages. NOTHING BUT SUMMER a e\u0301te\u0301 projete\u0301 au Cine\u0301ma du Re\u0301el et a\u0300 Brive FF ou\u0300 il a remporte\u0301 le Grand Prix d\u2019Europe. Son dernier film, BRAQUER POITIERS (2018), a e\u0301te\u0301 se\u0301lectionne\u0301 au FID International Film Festival de Marseille.<\/p>\n<\/div>\n

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PETIT SAMEDI<\/p>\n

Damien Samedi a 43 ans. Quand il e\u0301tait enfant, dans son village wallon en bord de Meuse, on l\u2019appelait le Petit Samedi. Pour sa me\u0300re Ysma, Damien est toujours son gamin, celui qu\u2019elle n\u2019a jamais abandonne\u0301 lorsqu\u2019il est tombe\u0301 dans la drogue. Un fils qui a, malgre\u0301 tout, cherche\u0301 a\u0300 prote\u0301ger sa me\u0300re. Un homme qui tente de se libe\u0301rer de ses addictions et qui fait face a\u0300 son histoire pour s\u2019en sortir.<\/p>\n

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PALOMA SERMON-DAI\u0308<\/p>\n

Ne\u0301e a\u0300 Namur (Belgique) en 1993. Apre\u0300s des Humanite\u0301s Artistiques au sein du conservatoire de Huy, elle entame en septembre 2014 un baccalaure\u0301at en Technique de l\u2019Image a\u0300 la Haute E\u0301cole Libre de Bruxelles. Elle y re\u0301alisera trois courts me\u0301trages documentaires dont son film de fin d\u2019e\u0301tudes Makenzy en 2016, se\u0301lectionne\u0301 notamment a\u0300 Visions du Re\u0301el. Son premier long me\u0301trage Petit Samedi a e\u0301te\u0301 pre\u0301sente\u0301 a\u0300 la Berlinale Forum en fe\u0301vrier 2020.<\/p>\n<\/div>\n

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GHOST HUNTING<\/p>\n

Raed Andoni place une annonce dans un journal a\u0300 Ramallah. Il recherche d\u2019anciens de\u0301tenus du centre d\u2019interrogatoire Moskobiya a\u0300 Je\u0301rusalem. Dans son annonce, il demande que les hommes aient e\u0301galement de l\u2019expe\u0301rience en tant qu\u2019artisans, architectes ou acteurs. Afin d\u2019affronter les fanto\u0302mes qui le hantent, Raed Andoni rassemble ce groupe e\u0301clectique d\u2019ex-prisonniers pour recre\u0301er Al-Moskobiya, le principal centre d\u2019interrogatoire d\u2019Israe\u0308l, ou\u0300 il a lui-me\u0302me e\u0301te\u0301 incarce\u0301re\u0301 a\u0300 l\u2019a\u0302ge de 18 ans. Jour apre\u0300s jour, ces ouvriers du ba\u0302timent, un forgeron, un architecte, un assistant re\u0301alisateur donnent forme a\u0300 leurs souvenirs de leur survie avec courage et humour. Au fur et a\u0300 mesure que les parois des cellules s\u2019e\u0301le\u0300vent, les langues et les e\u0301motions se de\u0301lient.<\/p>\n

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RAED ANDONI (re\u0301alisateur, Palestine)<\/p>\n

Raed Andoni est ne\u0301 a\u0300 Amman en Jordanie en 1967, c\u2019est un re\u0301alisateur et producteur palestinien qui a commence\u0301 sa carrie\u0300re dans l\u2019industrie cine\u0301matographique en 1997 en tant que producteur inde\u0301pendant. Il est co-fondateur de la socie\u0301te\u0301 de production Dar Films a\u0300 Ramallah et Les Films de Zayna a\u0300 Paris. Pour son premier long me\u0301trage documentaire, Fix Me, Andoni a filme\u0301 20 se\u0301ances de sa propre the\u0301rapie a\u0300 Ramallah. Mettant en vedette une gamme colore\u0301e de personnages, y compris des membres de la propre famille d\u2019Andoni, Fix Me explore le besoin de trouver l\u2019individualite\u0301 dans un lieu si domine\u0301 par la conscience et l\u2019identite\u0301 collectives. Fix Me a e\u0301te\u0301 projete\u0301 pour la premie\u0300re fois a\u0300 Sundance et a\u0300 Cannes. Le deuxie\u0300me long me\u0301trage de Raed Andoni, \u00ab Ghost Hunting \u00bb, a rec\u0327u le prix du meilleur documentaire a\u0300 la Berlinale de 2017.<\/p>\n

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EXTINCTION<\/p>\n

Extinction contextualise les histoires et les e\u0301tablissements actuels de la frontie\u0300re post-sovie\u0301tique a\u0300 travers la voix (et son absence) de Kolya, un personnage apatride. Dans le film, Kolya s\u2019engage dans des interviews, se\u0301journe dans les rues et effectue les quarts de travail quotidiens dans une usine de vente d\u2019armes locale. Pendant que la came\u0301ra retrace les cathe\u0301drales catholiques antiques, les monuments marxistes- le\u0301ninistes a\u0302ge\u0301s et les fore\u0302ts non traverse\u0301es, il se retrouve plonge\u0301 dans des temporalite\u0301s et des identite\u0301s politiques qui ne cessent de se quereller, de se de\u0301truire et de se croiser. Le film construit lentement une histoire associative et non line\u0301aire d\u2019un paysage dans lequel les frontie\u0300res entre passe\u0301 et pre\u0301sent, documentaire et fiction restent instables.<\/p>\n

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SALOME\u0301 LAMAS (re\u0301alisatrice, Portugal)<\/p>\n

Salome\u0301 Lamas est une cine\u0301aste et artiste visuelle portugaise qui a montre\u0301 son travail dans des festivals de cine\u0301ma et des muse\u0301es tels que : Berlinale, Museo Arte Reina Sofia, FIAC, Museu do Chiado a\u0300 Lisbonne, DocLisboa, Cinema du Re\u0301el, Visions du Re\u0301el, MoMA (Museum of Modern Art), Museo Guggenheim Bilbao, Harvard Film Archive, Museum of Moving Images NY, Jewish Museum NY, Fid Marseille, Arsenal Institut fur film und videokunst, Viennale, Culturgest, CCB (Centro Cultural de Bele\u0301m), Hong Kong FF, Museu Serralves a\u0300 Porto, Tate Modern, CPH: DOX, Centre d\u2019Art Contemporain de Gene\u0300ve, Bozar, Tabakalera, ICA London, TBA 21 Foundation, Mostra de Sa\u0303o Paulo, CAC Vilnius, MALBA, FAEMA, SESC Sa\u0303o Paulo, MAAT, La Biennale di Venezia Architettura, entre autres.<\/p>\n

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ANOTHER PLANET – Amir Yatsiv
\nDes rencontres dans des mondes virtuels simulant le camp de concentration d\u2019Auschwitz. Le film suit les cre\u0301ateurs de ces camps virtuels, chacun dans son monde imagine\u0301: un procureur Allemand; des e\u0301tudiants d\u2019un lyce\u0301e Israe\u0301lien; un Israe\u0301lien de\u0301veloppeur de jeux; un graphiste polonais; un architecte Allemand et un historien Israe\u0301lien. Le film est construit comme une mosai\u0308que dans laquelle l\u2019avatar de chaque cre\u0301ateur explore et se prome\u0300ne dans son propre Auschwitz virtuel. Le film est un voyage dans les profondeurs de la me\u0301moire reconstruite qui re\u0301ve\u0300le l\u2019obsession de la repre\u0301sentation de l\u2019Holocauste.<\/p>\n

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AMIR YATZIV (re\u0301alisateur, Israe\u0308l) ex- SIC Participant<\/p>\n

Amir Yatziv est un cine\u0301aste et artiste visuel base\u0301 a\u0300 Tel Aviv. Yatziv s\u2019inte\u0301resse aux re\u0301cits du passe\u0301 et a\u0300 leur interpre\u0301tation contemporaine. Dans ses \u0153uvres et ses films, il cre\u0301e un sentiment d\u2019e\u0301loignement, re\u0301ve\u0301lant l\u2019impossibilite\u0301 d\u2019une seule ve\u0301rite\u0301 historique cohe\u0301rente. Amir est diplo\u0302me de la Bezalel Academy of Art and Design a\u0300 Je\u0301rusalem (2008) et de la classe Hito Steyerl a\u0300 l\u2019UDK Berlin (2010). Ses \u0153uvres ont e\u0301te\u0301 pre\u0301sente\u0301es dans de nombreuses expositions collectives et individuelles dans plusieurs endroits, notamment a\u0300 la Tate Modern (Londres), au KW Institute for Contemporary Art (Berlin) et au Van Abbemuseum (Eindhoven), et ses films ont e\u0301te\u0301 projete\u0301s dans plusieurs festivals de cine\u0301ma a\u0300 travers le monde.<\/p>\n

THE SASHA<\/p>\n<\/div>\n

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En 1972, l\u2019astronaute Charles Duke a atterri sur la Lune a\u0300 bord d\u2019Apollo XVI. Il e\u0301tait charge\u0301 de prendre des photos de la surface lunaire avec une came\u0301ra haute re\u0301solution. Questionnant la ve\u0301racite\u0301 de la documentation photographique a\u0300 travers son re\u0301cit, The Sasha est une enque\u0302te sur la perspective humaine sur Terre et notre lutte constante avec nos limites temporelles et spatiales. De l\u2019exploration de l\u2019espace au cyberespace, d\u2019une Lune analogique en 1972 a\u0300 une Lune virtuelle dans Google Earth aujourd\u2019hui. Une histoire d\u2019univers paralle\u0300les ou\u0300 l\u2019e\u0301ternite\u0301 semble se perdre entre cadres et interfaces.<\/p>\n

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MARIA MOLINA PEIRO\u0301<\/p>\n

Mari\u0301a Molina Peiro\u0301 est une artiste audiovisuelle et cine\u0301aste espagnole base\u0301e a\u0300 Amsterdam, dont le travail se situe a\u0300 l\u2019intersection entre le cine\u0301ma, l\u2019art contemporain et la recherche. Dans son travail, elle explore les relations superpose\u0301es entre l\u2019histoire, la technologie et la nature a\u0300 travers une forme hybride (fiction, documentaire et expe\u0301rimentale). Elle s\u2019inte\u0301resse particulie\u0300rement aux frontie\u0300res floues entre me\u0301moire et imaginaire, naturel et artificiel, science et mysticisme ou entite\u0301s vivantes et non vivantes.<\/p>\n

Ses \u0153uvres et installations vide\u0301o ont e\u0301te\u0301 expose\u0301es internationalement dans des centres d\u2019art et des muse\u0301es tels que Haus der Kulturen der Welt (Berlin), MACBA (Barcelone), Muse\u0301e du Louvre (Paris), Washington National Gallery, MMCA National Museum of Modern and Contemporary Art (Se\u0301oul), Hong-Gah Museum (Taipei), Vilnius National Gallery, EYE Film Museum (Amsterdam), ISEA Korea, London Science Museum, MATADERO (Madrid), Museum of Contemporary Art of Vojvodina, TAIWAN Contemporary Culture Lab et CCCB (Barcelona) parmi autres.<\/p>\n

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THE ANABASIS OF MAY AND FUSAKO SHIGENOHU, MASAO ADACHI AND 27 YEARS WITHOUT IMAGES<\/p>\n

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The Anabasis of May and Fusako Shigenohu, Masao Adachi and 27 Years Without Images (2011), aborde la question de l\u2019irrepre\u0301sentable. Il y a trois personnes dans le titre de l\u2019ouvrage. Fusako Shigenobu est la fondatrice de l\u2019Arme\u0301e rouge japonaise : elle a quitte\u0301 le Japon en 1969 pour s\u2019installer a\u0300 Beyrouth. Sa fille, May Shigenobu, est ne\u0301e en 1973 et a ve\u0301cu sa vie jusqu\u2019a\u0300 l\u2019a\u0302ge de 27 ans dans le plus grand secret. Elle a du\u0302 cacher son identite\u0301 pendant les 27 premie\u0300res anne\u0301es de sa vie, jusqu\u2019en 2000 lorsque sa me\u0300re a e\u0301te\u0301 arre\u0302te\u0301e. Ensuite, elle a pu e\u0301merger dans une autre phase de sa vie, c\u2019est a\u0300 ce moment-la\u0300 qu\u2019elle est e\u0301galement retourne\u0301e au Japon. La troisie\u0300me personne dans le titre est Masao Adachi, un re\u0301alisateur et sce\u0301nariste radical et expe\u0301rimental, dont le travail est influent dans le cine\u0301ma de la nouvelle vague japonaise des anne\u0301es 1960. Il s\u2019est de plus en plus radicalise\u0301 politiquement, a\u0300 la fois dans ses films et dans ses ide\u0301es, de sorte qu\u2019il a finalement de\u0301cide\u0301 de faire un film sur l\u2019Arme\u0301e rouge japonaise a\u0300 Beyrouth et, finalement, il l\u2019a rejointe, passant 27 ans non pas tant comme cine\u0301aste, mais pluto\u0302t comme un compagnon de voyage ou une personne qui participe aux activite\u0301s des arme\u0301es rouges japonaises. The Anabasis of May and Fusako Shigenohu, Masao Adachi and 27 Years Without Images re\u0301unit ces personnages et leurs histoires superpose\u0301es dans un film hypnotisant qui s\u2019articule autour d\u2019une se\u0301rie d\u2019e\u0301changes personnels et de correspondances.<\/p>\n

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ERIC BAUDELAIRE
\nE\u0301ric Baudelaire est un artiste visuel et cine\u0301aste base\u0301 a\u0300 Paris. Apre\u0300s une formation de politologue, Baudelaire s\u2019est impose\u0301 comme artiste visuel avec une pratique de recherche. Ses longs me\u0301trages Un Film Dramatique (2019), Also Known As Jihadi (2017), Letters to Max (2014), The Ugly One (2013), The Anabasis of May and Fusako Shigenobu, Masao Adachi and 27 Years Without Images (2011) ont largement circule\u0301 dans les festivals de cine\u0301ma, notamment a\u0300 Locarno, Toronto, New York, FID Marseille et Rotterdam. Sa pratique artistique, ancre\u0301e dans un travail de recherche, comprend e\u0301galement des photographies, des estampes, des performances et des publications qu\u2019il inte\u0300gre dans des installations autour de ses films. Il est laure\u0301at du prix d\u2019art Duchamp (2019), de la bourse Guggenheim (2019) et du Future of Europe Art Prize (2017).<\/p>\n

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HAVEN<\/p>\n

L\u2019\u2019histoire bizarre d\u2019une tour a\u0300 canon de la Seconde Guerre mondiale abandonne\u0301e.
\nElle a e\u0301te\u0301 occupe\u0301e par une famille britannique depuis les anne\u0301es 1960. Initialement destine\u0301 a\u0300 diffuser une radio pirate, la famille a travaille\u0301 avec deux cyber-libertaires au de\u0301but 2000 pour e\u0301tablir le premier havre de donne\u0301es au monde sur la tour.<\/p>\n

Le data-haven, appele\u0301 HavenCo a promise\u0302tre le seul endroit vraiment su\u0302r dans le monde pour garder de l\u2019information. La tour, au mileiu de la mer, est un site paradoxal, un espace favorisant la souverainete\u0301 et l\u2019autonomie des donne\u0301es, qui est contro\u0302le\u0301 par une cellule familiale ferme\u0301e et isole\u0301e.<\/p>\n

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JAMES NEWITT (re\u0301alisateur, Portugal)
\nex- Participant SIC<\/p>\n

James Newitt est un cine\u0301aste et artiste visuel australien, base\u0301 a\u0300 Lisbonne. Le travail de James aborde des contextes sociaux et culturels spe\u0301cifiques a\u0300 travers des approches personnelles, observationnelles et performatives. Ses travaux re\u0301cents ont de plus en plus adopte\u0301 des formes spe\u0301culatives de narration comme une extension des tendances plus documentaires qu\u2019il continue d\u2019explorer.<\/p>\n

James a expose\u0301 son travail dans des muse\u0301es et des festivals de cine\u0301ma, notamment : Carpintarias de Sa\u0303o La\u0301zaro, Lisbonne ; la galerie d\u2019art de Nouvelle-Galles du Sud ; Perth Revelation International Film Festival ; Festival du film inde\u0301pendant d\u2019Oslo ; le Centre d\u2019art contemporain, Glasgow ; Lumiar Cite, Lisbonne ; Galerie d\u2019art du Queensland ; le Muse\u0301e d\u2019Art Contemporain, Sydney ; la Galerie des Beaux-Arts, Split, Croatie ; Rosalux, Berlin et la galerie d\u2019art d\u2019Australie-Me\u0301ridionale.<\/p>\n

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ERIKA BALSOM (auteur, Royaume-Uni)<\/p>\n

Erika est une e\u0301crivaine prolifique et une the\u0301oricienne de premier plan dans le domaine du film documentaire, en particulier dans les espaces entre le documentaire et l\u2019art contemporain. Elle apportera son point de vue sur l\u2019image fanto\u0302me en partageant ses recherches re\u0301centes et sa connaissance approfondie du film documentaire lors du se\u0301minaire.<\/p>\n

Erika Balsom est lectrice en e\u0301tudes cine\u0301matographiques au King\u2019s College de Londres. Elle est l\u2019auteur de TEN SKIES (2021), An Oceanic Feeling: Cinema and the Sea (2018), After Uniqueness: A History of Film and Video in Circulation (2017) et Exhibiting Cinema in Contemporary Art (2013). Elle est co-e\u0301ditrice de Artists\u2019 Moving Image in Britain Since 1989 (2019) et Documentary Across Disciplines (2016).<\/p>\n

En 2018, elle a rec\u0327u un prix Philip Leverhulme et le prix d\u2019essai Kovacs de la Society for Cinema and Media Studies. Elle de\u0301tient un doctorat en culture moderne et me\u0301dias de l\u2019Universite\u0301 Brown, une mai\u0302trise en e\u0301tudes culturelles du Goldsmiths College et un baccalaure\u0301at spe\u0301cialise\u0301 en e\u0301tudes cine\u0301matographiques de l\u2019Universite\u0301 de Toronto.<\/p>\n

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SARA MAGNO (mode\u0301ratrice, Portugal)<\/p>\n

Sara Magno est doctorante en e\u0301tudes culturelles
\nau Lisbon Consortium (UCP) et a\u0300 l\u2019Universite\u0301 de Copenhague. Les recherches de Sara portent sur la re\u0301alisation de films documentaires dans le domaine de l\u2019art contemporain et la relation entre art et politique. Elle a publie\u0301 des textes sur le travail de l\u2019artiste portugaise Salome\u0301 Lamas et les notions de re\u0301flexivite\u0301, de documentalite\u0301 et de parafiction.<\/p>\n

Sara a e\u0301tudie\u0301 la photographie et la vide\u0301o a\u0300 Ar.Co, Center for Art and Communication, a\u0300 Lisbonne, et a\u0300 la Gerrit Rietveld Arts and Design Academy, a\u0300 Amsterdam. En 2014, elle a termine\u0301 sa mai\u0302trise en Communication et Art a\u0300 la Nouvelle Universite\u0301 de Lisbonne, Faculte\u0301 des Sciences Sociales et Humaines avec la the\u0300se, The Image-Document: Refigurations of the Archive on the Films of Harun Farocki, Hito Steyerl and Filipa Ce\u0301sar.<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n

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