Salomé Lamas est une cinéaste, artiste visuelle et énseignante portugaise.

Au cours des quinze dernières années et avec une production régulière de plus de trente projets, le travail de Salomé Lamas a été contextualisé dans la culture visuelle, les études artistiques et les études cinématographiques, exposé et distribué internationalement dans les domaines du cinéma (salles de cinéma, festivals, streaming VOD) et de l’art contemporain (galeries, musées, foires d’art, biennales).

Elle développe une pratique artistique qui explore la relation entre la représentation et le pouvoir narratif de la réalité sociale tout en proposant quelque chose de différent. Autour, mais pas au-delà, du réel : au-delà, mais pas en dehors, du fictif. Pour aborder les efforts visant à élargir cet interstice, elle qualifie son travail de pratique médiatique critique des parafictions.

Avec une formation mixte en cinéma et en arts visuels, et une recherche informée par une épistémologie critique, transnationale et subjective, axée sur les possibilités ouvertes par la pensée écologique, ainsi que sur le lien entre la pratique artistique, les mutations économiques et esthétiques, et la philosophie contemporaine, elle a été mise au défi de se conformer à une orientation unique ou de les combiner dans son action en tant qu’artiste/cinéaste, mais aussi en tant qu’éducatrice, dans divers contextes, niveaux et géographies.

L’éthique pluridisciplinaire qui sous-tend sa démarche artistique remet continuellement en question les limites de la narration visuelle, afin de favoriser des dialogues critiques qui incitent le public à se confronter aux complexités de l’expérience humaine et à une dynamique sociétale plus large, axée sur la migration, le post-colonialisme et une critique du capitalisme.

Cette pratique fondée sur la recherche perpétue un héritage de recherche intellectuelle et d’innovation artistique et aborde de manière critique les rôles sociaux et économiques de la production médiatique, aux stades du développement, de la production, de l’exposition, de la distribution et de l’archivage, avec des résultats allant des films aux installations audiovisuelles en passant par les publications.

https://salomelamas.info/

Sasha Litvintseva et Beny Wagner sont des artistes, des cinéastes, des chercheurs et des écrivains. Ils travaillent en collaboration dans l’image en mouvement, l’installation, le texte et les conférences depuis 2018. Se concentrant sur l’image en mouvement comme outil de production active de nouveaux mondes, leur pratique a été motivée par des questions sur les seuils entre le corps et son environnement, les régimes de connaissance et le pouvoir, les modes d’organisation et de perception du monde naturel. Leur travail collaboratif a été présenté dans le monde entier, notamment aux festivals du film de la Berlinale, de Rotterdam, CPH:DOX, Courtisane, Indie Lisboa et Guanajuato, au CAC Vilnius, au Los Angeles Filmforum, au Museum of the Moving Image NY, à Transmediale, à Sonic Acts, aux festivals Atonal et Impakt de Berlin, aux biennales Young Art de Moscou et Media Art de Wroclaw, à la Triennale de la Baltique, et a été présenté sur Criterion Channel.

https://www.benywagner.com
https://www.sashalitvintseva.com

Vincent Meessen (né en 1971 à Baltimore, USA, vit et travaille à Bruxelles) opère à la croisée de l’art contemporain, de l’image en mouvement et de la recherche.

Son travail artistique est tissé d’une constellation de personnages, de gestes et de signes qui entretiennent une relation polémique avec l’écriture de l’histoire et l’occidentalisation des imaginaires.

Meessen est membre fondateur de diverses alliances dont Universal Embassy (2001-2005), Potential Estate (2005-2011) et Jubilee – plateforme de recherche et de production artistique. Avec « Personne et les autres », une exposition collective au Pavillon belge de la 56e Biennale de Venise (2015), il a représenté la Belgique avec dix artistes invités de quatre continents. Il a également participé à d’autres biennales, notamment la Biennale de Cuenca, la Biennale de Dakar, la Biennale de Berlin, la Biennale de São Paulo, la Biennale d’architecture de Chicago, la Biennale de Lubumbashi, le Printemps de septembre, Toulouse, la Biennale de Shanghai et la Biennale de Taipei. Son travail a fait l’objet d’expositions individuelles ou en duo, notamment au CIVA, à Bruxelles (2023), au Mu.Zee, à Ostende (2021), à The Power Plant, à Toronto (2019), à la Leonard & Bina Ellen Art Gallery, à l’Université Concordia, à Montréal (2018), au Centre Pompidou, au Musée national d’art moderne, à Paris (2018).

DORA GARCÍA est une artiste, enseignante et chercheuse qui s’appuie sur l’interactivité et la performance dans son travail, utilisant l’exposition comme une plateforme pour étudier la relation entre l’œuvre d’art, le public et le lieu.

García transforme les espaces en expériences sensorielles en modifiant les perceptions et en créant des situations d’interaction, en utilisant souvent des intermédiaires (acteurs professionnels, amateurs ou personnes rencontrées par hasard) pour renforcer un regard critique sur les choses. En s’engageant dans le binaire réalité/fiction et en s’attardant sur les questions de temps – réel, historique, cyclique, fictionnel – les visiteurs s’impliquent (sciemment ou non) en tant que protagonistes, soit dans la construction d’une fiction collective, soit dans la déconstruction des conventions.

Dans ce contexte, elle s’est toujours intéressée aux personnages anti-héroïques et marginaux comme prototype pour étudier le statut social de l’artiste, ainsi qu’aux récits de résistance et de contre-culture.

À cet égard, García a réalisé des travaux sur la police politique de la RDA, la Stasi (le film Rooms, Conversations de 2006), sur le personnage charismatique de l’humoriste américain Lenny Bruce, et sur le rôle de la Stasi dans la société. (Just because everything is different it does not mean that anything has changed, Lenny Bruce in Sydney, performance unique, Biennale de Sydney en 2008), et sur les origines, les associations rhizomatiques et les conséquences de l’antipsychiatrie (série de livres Mad Marginal depuis 2010, dont ce livre fait également partie, et le film The Deviant Majority, 2010).

Ces dernières années, elle a utilisé des formats télévisés classiques pour faire des recherches sur l’histoire plus récente de l’Allemagne (Die Klau Mich Show, dOCUMENTA 13 en 2012), fréquenté des groupes de lecture de Finnegans Wake (The Joycean Society, lm, 2013), créé des points de rencontre pour les entendeurs de voix (The Hearing Voices Café, depuis 2014), et fait des recherches sur le croisement entre la performance et la psychanalyse (The Sinthome Score, 2013, et Segunda Vez, 2017).

En tant qu’artiste, Dora García a participé à de nombreuses expositions d’art internationales, notamment Münster Sculpture Projects (2007), la Biennale de Venise (2011, 2013, 2015), la Biennale de Sydney (2008), la Biennale de São Paulo (2010), dOCUMENTA 13 (2012) et la Biennale de Gwangju (2016). En 2019, elle a participé à la Biennale d’Oslo, aux Rencontres d’art de Timisoara (Roumanie) et à la Triennale d’AICHI (Japon).
AICHI Triennale (Japon). Elle vit entre Oslo et Barcelone.

Roee Rosen (né en 1963) est un artiste, cinéaste et écrivain israélo-américain. Il est connu pour son travail multicouche et provocateur qui remet souvent en question les divisions entre l’histoire et le présent, le documentaire et la fiction, la politique et l’érotisme.

Roee Rosen a consacré des années à son personnage féminin fictif, la peintre surréaliste et pornographe juive-belge Justine Frank, un projet qui a impliqué la fabrication de l’ensemble de son œuvre ainsi que d’un livre et d’un court-métrage, Two Women and a Man (2005).

En 2010, Rosen a réalisé deux films. Hilarious et Out, dans lequel une séance de BDSM devient un exorcisme politique. Out a été présenté pour la première fois au festival du film de Venise, où il a remporté le prix Orizzonti du meilleur moyen métrage. Le film a ensuite remporté de nombreux prix, y compris une nomination à l’Académie européenne.

The Dust Channel, a été coproduit par la Documenta 14, où il a été exposé avec deux installations de textes et d’images historiques, The Blind Merchant (1989-1991), un livre d’artiste réinterprétant Le Marchand de Venise de Shakespeare en se concentrant sur la figure de Shylock, et Live and Die as Eva Braun (1995-1997), une œuvre qui a suscité un scandale politique lors de sa première exposition au Musée d’Israël.

Plusieurs rétrospectives du cinéma de Rosen ont été organisées, notamment au festival du film d’Oberhausen (2012) et au festival FICUNAM de Mexico (2018). En 2018, une vaste exposition personnelle a été organisée au Centre Pompidou, à Paris, sous le titre Histoires dans le pénombre. L’exposition comprenait également une étude cinématographique complète.

Il travaille actuellement à un livre sur la maladie sous forme de pages à colorier intitulé Lucy is Sick, dont une partie a été publiée par Steirischer Herbst (2020).

Son dernier film est une comédie musicale combinant fiction, animation et éléments documentaires, intitulée Kafka for Kids (2022). Il a été présenté pour la première fois au Festival du film de Rotterdam. Parmi les expositions personnelles qu’il a organisées en 2022, citons la vaste exposition Kafka for Kids and Other Troubling Tales au Kunstmuseum de Lucerne. Kafka for Kids est également le titre du dernier livre de Rose, qui comprend le scénario du film et trois essais. Les autres titres récents de Rosen chez Sternberg Press comprennent Live and Die as Eva Braun and Other Intimate Stories (2017), et Desire and Dust (2019). Les prochaines expositions individuelles de Rosen se tiendront au Kunstverein Hannover, en 2024.

Il est professeur à la faculté des arts Ha’Midrasha, Beit Berl College, en Israël.

www.roeerosen.com